Próxima exposición en Swab art fair. IN/OUT representado por Addaya Centre d’Art.

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IN/OUT Swab

 

En esta segunda edición, y continuando con el marco conceptual del año pasado, nos planteamos cómo poder hacer visible un fuera de campo y, al mismo tiempo, romper con una línea discursiva temporal. Queremos hacer visible este engranaje clave a partir de fragmentos que se desprenden y se vinculan al proceso de creación. Este puede materializarse en obras, documentos, notas o, incluso, nuevas manifestaciones artísticas posteriores a la realización de la propia obra.

 

Espacios participantes:

Rasmus Nilausen – García Galería, Madrid
Marta de Gonzalo & Publio Pérez Prieto – Casa sin fin, Madrid
Francesc Ruiz – Galería Estrany de la Mota, Barcelona
Ana Laura Aláez – Moisés Pérez de Albéniz, Madrid
Regina Giménez – Ana Mas Projects, l’Hospitalet de Llobregat
Fito Conesa – Espai Tactel, Valencia
Jorge García – Addaya Centre d’Art, Alaró, Mallorca
Gloria Martin – Galería Silvestre, Madrid
Joan Fontcuberta – Angels Barcelona, Barcelona
Mar Arza – Rocío Santacruz, Barcelona
Ana Teresa Ortega – Espai Visor, Valencia

 


Imma Prieto Frederic Montornés, comisarios de IN/OUT, cuentan qué novedades trae el programa para esta nueva edición:
 

Cómo surge IN/OUT, cuál fue la intención con su creación?

Surge en la edición anterior de SWAB como plataforma desde la que mostrar la obra de artistas representados por galerías que, en su mayoría, no participan en la Feria. Se trata como de una suerte de invitación a estar presentes en el marco de SWAB sin tener, por ello, que disponer de un stand.

 

 

¿Cómo surge IN/OUT, cuál fue la intención con su creación?

Surge en la edición anterior de SWAB como plataforma desde la que mostrar la obra de artistas representados por galerías que, en su mayoría, no participan en la Feria. Se trata como de una suerte de invitación a estar presentes en el marco de SWAB sin tener, por ello, que disponer de un stand.

 

 

¿Qué proponéis para esta edición y quiénes son los participantes? ¿Qué quiere decir estar fuera o dentro? 

Siguiendo en la línea iniciada el año pasado, la segunda edición de IN/OUT se propone seguir reflexionando en torno a la idea de estar dentro o fuera del mundo del arte, teniendo en cuenta toda una serie de variables. A su vez, y esto es la especificidad de este año, nos planteamos cómo poder hacer visible un fuera de campo y, al mismo tiempo, romper con una línea discursiva temporal. Queremos hacer visible este engranaje clave a partir de fragmentos que se desprenden y se vinculan al proceso de creación. Este puede materializarse en obras, documentos, notas o, incluso, nuevas manifestaciones artísticas posteriores a la realización de la propia obra. Se refiere al modo de estar presente en una obra, en una escena, en un contexto, en un lugar, en el mercado, circunscribiendo todo ello al propio contexto artístico. La imagen que mejor lo podría representar quizás sería la de un iceberg. Es decir, sólo vemos lo que asoma sabiendo que lo que se oculta es justamente lo que lo mantiene visible.

 

 

Estamos en una nueva era de cambio expositiva, ¿creéis que era necesario también incorporarlo al formato feria? Cómo dialoga la propuesta expositiva de IN/OUT con su propuesta conceptual.

No sé si estamos en una nueva era ¿qué significa esa pregunta? Siempre es interesante ofrecer al visitante sea de una Feria o no, otros modos de aprehender el arte, que el que justifica la existencia del propio contexto, es decir, al margen de su aspecto comercial o no comercial. En relación a la feria no se trata de colisionar con esta función por la que fue concebida si no de ampliar los registros de la mirada al margen de lo que justifica a la obras que en ella se muestran. La propuesta dialoga con la feria desde el momento que se gesta y se articula dentro de ella, pero no hablaría de un diálogo conceptual, no tiene sentido. La propia feria, a un nivel conceptual, depende de la propuesta de cada galería y esto no exime que en su conjunto puede tener unos objetivos concretos como proyecto. En relación a IN/OUT el marco conceptual es exclusivo a la propuesta, otra cosa es que se encuentren puentes con otras propuestas de la Feria, pero es algo que se da a posteriori, nosotros en este momento lo desconocemos.

Mi video “a cuchillo” en el FIVAC de Camagüey, CUBA.

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Artistas

Nicole Cohen, Enrique Yáñez, Alketa Ramaj, Jorge García, Celina Alvarado, Svetlana Jovanovic, Arturo Comas, Matti Havens, Víctor Ripoll, Juan Zamora, David Catá, Marisa Benito, Tahir Ün, Sandrine Deumier, Víctor Royás, Ruth Somalo, Antonio Pasolini, Ana B & Nuno M. Pereira, Fermín Díez de Ulzurrun, Laurel Beckman, Claudia Vives Fierro, Zlatko Cosic, José Carlos Casado, Lorenzo Sanjuan / José Ignacio Callén y Sara Novovitch.

Comisario: Antonio Ortuño.

LA PRÓXIMA RESISTENCIA.

La Próxima Resistencia llega a su quinta edición. Luego de varios años de encuentros con proyectos curatoriales, muestras personales de artistas invitados y selecciones de varios festivales del mundo, hemos logrado mostrar un espectro vasto y plural de la videocreación contemporánea cubana e internacional. Casi 50 países han confluido, a través de sus artistas, en las muestras organizadas por FIVAC; y parecería fácil si hubiera sido suficiente soñarlo. Pero los empeños han sido muchos, y quisiera destinar una línea para el agradecimiento sincero a todos los que confiaron en nosotros, sobre todo cuando aún solo éramos principiantes empecinados de la posibilidad de hacer cosas como esta. Pero hemos crecido; hemos madurado; hemos aprendido a calibrar la significación de cada colaboración, de cada entrega, de cada esfuerzo ajeno en función de este espacio; y por eso sentimos que los logros de La Próxima Resistencia son, sobre todo, de quienes creyeron en la posibilidad de “resistir” desde la nueva trinchera propuesta por Paik, de quienes cerraron filas en virtud de un nuevo ejército, de quienes se alistaron en una travesía sin retorno. Y obviamente me refiero a los artistas y curadores que han hecho de La Próxima Resistencia un espacio obligado de confrontación, especialmente en nuestro ámbito insular. Para la primera edición, cuando sabíamos qué queríamos, pero no sabíamos qué lograríamos, escribí: La heterogeneidad morfológica de la audiovisualidad se erige probablemente como el recurso de mayor impacto curatorial de este espacio, a la vez que se revela como una provocación permanente a las nociones epistémicas liminales, puestas en función de las tan escurridizas clasificaciones al uso. De tal suerte, La Próxima Resistencia no disimula su interés en exhibir la multiplicidad de alternativas audiovisuales confluyentes, y devuelve -a manera de rizoma- un tejido denso, polémico, inacabado. Hoy, tras un balance discreto, no me ruboriza reconocer cuánta lucidez y altruismo hubo en la creación del espacio y cuánto me ha complacido apoyarlo –apenas- durante estos años. Un dato más. Por primera vez, La Próxima Resistencia se presenta en la Galería “Pixel”, del Circuito para la Exhibición, el Desarrollo y la Investigación de los Nuevos Medios (CEDINM). Sea este un gesto de respecto de nuestro Comité Organizador a todos los artistas que nos han acompañado hasta hoy y lo seguirán haciendo en futuras ediciones.

Teresa Bustillo Martínez

http://www.fivacuba.com/

http://www.fivacuba.com/index.php/2017/04/06/antonio-ortuno-de-nueva-york-a-camaguey-para-quedarse/

 

 

Exposición en la galería Fernando Pradilla, Madrid.

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Con siete ediciones ya realizadas, la muestra colectiva Lenguajes en papel, va camino de

convertirse en el proyecto anual con mayor veteranía en la programación expositiva de la Galería

Fernando Pradilla. Cada año, durante los meses de diciembre y enero, nuestras salas presentan

una exposición centrada en el repertorio creativo del papel, destacando sus infinitas posibilidades

plásticas como medio expresivo en la práctica artística contemporánea; un papel, a veces con

vocación de objeto, otras de instalación y escenografía, y muchas, como el soporte de

intervención creativa en el que el artista recrea sus múltiples recursos técnicos y discursivos.

El papel -periódico, vinílico, carbón, fotográfico, vegetal, japonés, de embalaje- y sus

derivaciones a cartón, cartulina, etc.-, se combinan con el calado, el collage, la costura, el

ensamblaje, el recorte, la acuarela, el esmalte industrial, las tintas, el óleo, las impresiones

digitales, el acrílico, la serigrafía, el grafito, el bolígrafo o el Photoshop, para desplegar un amplio

elenco de trabajos que en cada edición aportan nuevas y originales soluciones estéticas.

En su propósito de exponer los replanteamientos técnicos y conceptuales más audaces del papel

en la plástica actual, la galería Fernando Pradilla cuenta en este proyecto con una amplia selección

de sus artistas representados, así como con un notable número de creadores que han sido invitados

a través de otras galerías de arte española e internacional o de plataformas artísticas

independientes. Así, en Lenguajes en papel VII se hallan varios miembros de MALA FAMA

ESTUDIOS, un espacio de creación y de confluencia en Madrid del que se han seleccionado los

trabajos de los artistas Rafael Díaz, Jorge García, Ruth Quirce y Oskar Ranz. Otro colectivo

que participa por primera vez en esta séptima edición de la muestra es WANDA BARCELONA,

equipo multidisciplinar formado por los creadores Inti Vélez Botero, Daniel Mancini e Iris

Joval, que a través del cartón y el papel, en toda su variedad de presentaciones, diseñan y

construyen espacios efímeros valiéndose de las técnicas tradicionales adaptadas a las nuevas

tecnologías.

Sin estar sujeta a bloques temáticos acotados en el espacio expositivo, la muestra Lenguajes en

papel VII permite, sin embargo, reconocer ciertos códigos visuales afines en los trabajos que se

exponen, más allá de las bases conceptuales que esgrimen sus autores. Es posible identificar, por

ejemplo, las relaciones que se establecen entre obras en las que el papel es sustento de un ejercicio

plástico de marcado cariz geométrico y predominante monocromía, como son los de Irma

Álvarez-Laviada, Carla Chaim, Emilio Gañán, Eok Seon Kim, Alejandro Pajares, Miguel

Ángel Rodríguez Silva, Carlos Rojas, Santos y Sicilia o Bettina Vaz Guimarães.

La reflexión en torno al lenguaje verbal y escrito como reclamo conceptual y compositivo de la

obra, está presente en los trabajos de los artistas Carlos Aires, Salvador Díaz, Marco Mojica y

Carlos Salazar Arenas. Un papel que construye, propiciatorio de composiciones

tridimensionales, más próximo a objetos escultóricos, instalaciones, escenografías o site specifs,

son las propuestas de los artistas Ignacio Bautista, Manuel Calderón, Pedro Cappeletti, Jorge

García, Edurne Herrán, Daniel Martín Corona o el colectivo Wanda Barcelona.

La intervención y manipulación de soportes y materiales a través del collage, el calado del papel,

la impresión fotográfica o las tecnologías digitales, se expresan nítidamente en las obras de

creadores como Jorge Cabieses, Sebastián Camacho, César Delgado, Manuel Antonio

Domínguez, Victoria Encinas, Germán Gómez, Enrique Larroy, Víctor Leguy, Eduard

Moreno, Catalina Ortiz y Javier Pividal.

Artistas para los que el papel es sostén esencial de su léxico plástico, se valen de técnicas, una

veces más cercanas al dibujo, como son los trabajos de Juan Francisco Casas, Fernanda

Chieco, Moisés Mahiques, Gabriel de la Mora, Santiago Morilla; y otras a la pintura,

subrayando la importancia de recursos plásticos como el color, las formas, las texturas. Es el caso

de artistas como Alejandro Bombín, Starsky Brines, Leonardo Ramos, José Luis Serzo,

Anthony Stark, Sue Williams o Jesús Zurita.

La obra de los artistas reunidos en Lenguajes en papel VII expresan la relevancia del papel en la

creación actual, y su gran potencialidad para innovar en el vocabulario artístico de la

contemporaneidad.

MalaFama Estudios.

 

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MALA FAMA estudios es un lugar de coincidencia de nuevos modos de actualización del arte de una manera independiente, uniendo el espacio de la creación artística y la comunicación para convertirse en un espacio de confluencia. Si en su origen está la creación de estudios, además hemos configurado un espacio que propicie el conocimiento entre los profesionales dedicados al arte, facilitando el encuentro de los
diferentes agentes culturales que amplían el sentido de la creación, exhibición y promoción del arte en la actualidad desde Madrid. El objetivo principal del estudio es ofrecer un nuevo espacio que favorezca esta comunicación y la realización de eventos relacionados con la creación y la innovación artística desde una apuesta participativa y funcional.

MALA FAMA estudios es un espacio de creación independiente compartido por Carlos Aires, Hugo Alonso, Alejandro Botubol, Marta Corsini, Rafael Díaz, Jorge García y Ruth Quirce.

 

http://www.elmundo.es/madrid/2016/10/22/580a4b6dca474159058b45b9.html

http://www.abc.es/cultura/cultural/abci-cria-mala-fama-y-ponte-trabajar-201610241952_noticia.htmlhttps://vimeo.com/188745202

http://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/mala-fama-estudios-abre-sus-puertas-en-madrid/

http://masdearte.com/especiales/mala-fama-estudios/

http://www.arteinformado.com/magazine/n/los-artistas-espanoles-se-ponen-las-pilas-5261

SIXTH UNDER THE SUBWAY VIDEO ART NIGHT June 25th

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http://underthesubwayvide.wix.com/underthesubway#!info-videos-2016/silm7

 

Under the Subway Video Art Night is an event focused exclusively to Video Art with the projections on the walls of the streets, Art Spaces, Galleries, Cultural Centers, etc. This sixth edition in 4 countries, 5 cities directed, organized and curated by Antonio Ortuño. Co-curated by Pop Up kino. 

2016 at The Local NY (New York), Project Space Kleiner Salon (Berlin), La Casa Encendida (Madrid), KINO PALAIS, Palais de Glace – Palacio Nacional de las Artes (Buenos Aires) and Octubre Centre de Cultura Contemporània (Valencia, Spain).

Where & when: June 25th.

– The Local NY (New York). 19.00pm.

13-02 44th Avenue. LIC, NY 11101

– Project Space Kleiner Salon (Berlin). 19.00pm.

Manteuffelstraße 42, 10997 Berlin

– La Casa Encendida (Madrid). 19.00pm.

Ronda de Valencia, 2, 28012 Madrid, Spain

– KINO PALAIS, Palais de Glace – Palacio Nacional de las Artes (Buenos Aires). 19.00pm.

Posadas 1725 / Av. del Libertador 1248
Ciudad Autónoma de Buenos Aires – CP1112ADE

– Octubre Centre de Cultura Contemporània (Valencia, Spain).

7pm. C/ Sant Ferran, 12 – 46001 València.

Video Artists selected 2016.

 

  • Nicole Cohen. Crystals, 2015. New York City.
  • Enrique Yáñez. Useless for the State / inútil para el Estado. Spain.
  • Alketa Ramaj. Adam’s Apple. Vienna, Austria.
  • Celina Alvarado AKA Bombonia. Don’t  you want me, babe?. New York City.
  • Svetlana Jovanovic. 12. New York City.
  • Jorge Garcia. To knife/a cuchillo. Spain.
  • Arturo Comas. Impermanencia. Spain.
  • Matti Havens. Love Song. New York City.
  • Víctor Ripoll. EAT PRAY DIE. Spain.
  • Juan Zamora. The sky is blue. Spain.
  • David Catá. Drowned sounds / Sonidos ahogados. Spain.
  • Marisa Benito. Artifice/artificio. Spain.
  • Tahir Ün. The Game. Turkey.
  • Sandrine Deumier. Soft Butterfly. France.
  • Víctor Royás. Jerk. Spain.
  • Ruth Somalo. Relocating One’s Own Shame / reubicando la vergüenza de uno. New York City.
  • Antonio Pasolini. How To Make Money With Video Art. Brazil.
  • Ana B & Nuno M. Pereira. The kingdom. Portugal.
  • Fermin Diez de Ulzurrun. Black money inked / Entintado de dinero negro. Spain.
  • Laurel Beckman. Big balls (triptych). USA.
  • Claudia Vives Fierro. Fuck normality. Spain.
  • Zlatko Cosic. A Murmuration. USA.
  • José Carlos Casado. Sacrifice.v01. New York City.
  • Lorenzo Sanjuan / José Ignacio Callén . Diógenes. New York City.
  • Sara Novovitch. BEAUTY. My Ophelia her death. Spain.

 

Curated by Pop Up kino.

  • Macarena Cordiviola. Reality. Argentina.
  • Oier Gil. Town of the flag / Pueblo de la bandera. Spain.
  • Jep Brengaret. Panspèrmies RBR UU A A C G. Spain.
  • Irene Cruz & Oren Lazovski. Metamorphosen. Germany.
  • Jonathan Bellés & Beatriz Heredia. Sima. Spain.
  • Alfonso Pretelt. Masturbatory Litofone. Argentina.

  Teams:

– Antonio Ortuño & Mattew Roth. The Local NY (New York, EEUU).
– Tania Pardo. La Casa Encendida (Madrid, Spain).
– Irene Cruz, Ana Sanfrutos & Nati Grund. Project Space Kleiner Salon (Berlin, Germany).
– Alfonso Pretelt & Macarena Cordiviola. KINO PALAIS (Buenos Aires, Argentina).
– Emili Payá. Octubre Centre de Cultura Contemporània (Valencia, Spain).

Intervención en Storm AndDrunk. Madrid.

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Video instalación en el WC del espacio sobre el inodoro.

 

¥‡ MON- STRUM ‡¥
╡Monstrant futurum, monet voluntarem deorum ╞
7 de Mayo – 15 de Junio

ARTISTAS PARTICIPANTES: RurruMipanochia (Ciudad de Mexico), SAM (Madrid) , Zony Gómez (Madrid), Jorge García (Madrid), Raisa Maudit (Madrid) , Mariana Echeverri (Londres), Galeria Swinton and grant (Madrid), Raquel G. Ibáñez (Madrid), Paquito Nogales (Marid), Andres Senra (Madrid), Jt Bravo+ Kike García (Madrid), Duna Haller+ DeVera Zapata (Madrid), Soy Una Pringada (Internet) , Niebla Fascista (Bilbao) , Storm AndDrunk Espacio (tu corazón)

Lo monstruoso, lo grotesco se asevera desde diferentes puntos desde la teoría, la filosofía, la estética incluso la teología como una forma que supone una asimilación de lo real a través de una contención que explota en la forma. La máscara social, el status quo, lo oculto, el terror, lo que sale fuera de la norma y lo que se afianza como tal forman parte de las características que lo monstruoso revela.

En Storm And Drunk entendemos lo mostruoso ( del latín monstrum ) como una declaración de intenciones. Como un manifiesto. De tal forma que revelamos y nos definimos como monstruas, como monstuositas.

Para ello presentamos el proyecto MON-STRUM un proyecto expositivo expandido desde el que queremos convertir esa declaración de intenciones en una práctica de visibilización y empoderamiento de prácticas, formas, y corrientes que ocurren en nuestro alrededor, en nuestro pasado, presente y -esperamos- en nuestro futuro: tanto en el tejido artístico, social, como en la forma en la que definimos nuestras identidades, nuestros cuerpos, nuestras políticas y nuestras formas de amar y relacionarnos.

En MON-STRUM queremos compartir espacio y discursos con artistas y espacios que sentimos cercanas a nosotras de una forma real y afectiva al mismo tiempo que con artistas y espacios que creemos trabajan y sienten esa rebelión por entender el mundo de una forma que rompe con todo eso que “no es monstruoso”. Personas que entienden la creación y la relación afectiva e identitaria como una cuestión vital de empoderamiento y supervivencia. Vivimos en tiempos en los que “lo monstruoso “ se está conviertiéndo – como ha ocurrido en muchos momentos de la historia – en algo a evitar, en algo malévolo y deforme, todo en pos de pretender una imagen de neutralidad en tiempos convulsos que afiance los cambios políticos y sociales del Status Quo.

Creemos que las monstruositas son más necesarias que nunca.
Creemos que las monstruositas siempre lo serán.
Creemos que las cosas solo se puedan cambiar desde allí. No desde abajo ni desde arriba , sino desde las monstruas y su natural radicalidad.
Una vez más es, una declaración de intenciones.

Para reforzar los lazos con esas personas que consideramos cercanas, con esas otras a las que invitamos y queremos que lo sean, y con toda persona que se vea salpicada por este proyecto.

Gooble Gobble One of Us We Accept You

“¿Es la teoría una bola de cristal? ¿Hay acaso magia en la teoría? (Originalmente la palabra quería decir “visión”, lo que ciertamente sugiere lo misterioso.) ¿Puede la teoría AnarcOntológica ser usada como una Ouija para predecir el futuro con el grado de claridad con que se describe el presente o se “predice” el pasado?”
Hakim Bey, No Go Zone.

Storm AndDrunk Espacio

¿Quien es ese hombre? TEA (Tenerife espacio de las artes)

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https://www.facebook.com/events/248134672213441/248545325505709/

http://teatenerife.es/expo/quien-es-ese-hombre

TEA Tenerife Espacio de las Artes acoge desde el 2 de junio y hasta el 4 de septiembre ¿Quién es ese hombre?, una exposición colectiva producida por TEA que plantea su discurso a partir de la crítica al poder político y económico, la dominación, la manipulación y el control que se ejerce en el contexto de las sociedades patriarcales occidentales.

El comisario de esta muestra, Adonay Bermúdez, ha reunido la obra de 18 artistas para hablar, desde un punto de vista irónico, de la erótica del poder, el rol del amo y el esclavo, la ignorancia y la autoanulación por obediencia y admiración, partiendo de la figura del hombre dominante, agresivo y manipulador.

Artistas: Raisa Maudit, Carlos Aires, Jorge García, Manuel Antonio Domínguez, Cyro García, Oier Gil, Acaymo S. Cuesta, David Trullo, Democracia, María Cañas, Eugenio Merino, David Crespo, Colectivo Daños Colaterales, Daniel Jordán, Nuria Güell, Olalla Gómez, Avelino Sala y Martín y Sicilia.